La Música como Arte
La música es una de las bellas artes más valiosas y populares que existen por muchas razones. En primer lugar, sensibiliza a quienes la escuchan y produce diferentes estados de ánimo. Además, es considerada uno de los factores que causa mayor placer, porque escucharla favorece la producción del neurotransmisor llamado dopamina. Por supuesto que también se debe considerar su función social, al ser generadora de identidades y permitir a los individuos identificarse con ciertos colectivos, actitudes, valores e ideales.
La música engloba una serie de prácticas artísticas de variedad rica y compleja, donde existen diversas maneras de realizarla, así como géneros musicales: clásica, popular, tradicional, la que emplea nuevas tecnologías o la experimental, así como infinidad de “practicantes” o personajes, como el compositor, el intérprete, el productor o un disc jockey (DJ); también quien la investiga y la enseña.
Es difícil determinar con exactitud cuántos géneros musicales existen porque la música está viva y es dinámica; los estilos se mezclan, influyen unos a otros, y surgen nuevos. En tradiciones como el jazz, rock o la electrónica de baile, por mencionar algunos, hay numerosos estilos y fusiones constantes. Asimismo, a la par de la creación de nuevos géneros, los que existen se transforman y adaptan a las realidades actuales.
La tecnología es otro elemento que ayuda a la innovación. La tecnología de la grabación, la digitalización y el internet permiten a la gente acceder a las expresiones artísticas de otras culturas y lugares. Hay un intercambio dinámico de las producciones de colectivos y grupos sociales en todo el mundo, constante y veloz, al alcance de un click o de tocar una pantalla.
A México le encanta escuchar música. De acuerdo con un estudio de la Federación Internacional de la Industria Fonográfica (IFPI), la gente en este país escucha música, en promedio, 25.6 horas a la semana, cifra que supera el promedio mundial de 18 horas. Las preferencias en este territorio son tema aparte. Se sabe que están relacionados con el entorno social y cultural de los individuos, además de variables como la edad, género, etcétera. Sin embargo, a partir de la sociología del consumo se advierte que los gustos son cada vez más variados y resulta difícil mostrar una correlación absoluta entre nivel socioeconómico y cultural con gusto musical. Así lo constata José Miguel Ordónez de la Facultad de Música de la UNAM.
La realidad es que cada quien escucha lo que le gusta, lo que está cercano a sus vivencias, aspiraciones y formas de ver el mundo. Según la Encuesta Mundial de Consumidores del portal de estadística Statista, basada en ocho géneros musicales, los predilectos de los mexicanos son: pop/contemporáneo (54 por ciento); rock/alternativo/indie (53 por ciento) y música urbana (42 por ciento).
La Música Pop
El pop es un género de música popular que se originó a mediados de la década de los 50 del siglo XX en los Estados Unidos y el Reino Unido. En la práctica, los términos música popular y música pop se aplican a distintos estilos. La música pop define obras con un estilo definido, mientras que la música popular se refiere a lo que escucha la mayoría de la gente en algún momento en particular de la historia.
Tomando en cuenta lo anterior, durante las décadas de 1950 y 1960, la música pop abarcaba el rock and roll y los estilos orientados a las audiencias juveniles. A finales de los años 60, el pop se asoció con la música más comercial, efímera y accesible, cuya definición es la más aceptada actualmente para el género. Los ejemplos de canciones pop más representativas son muy dispares entre sí, aunque fieles a sus características comunes: de duración corta, estructura verso-estribillo repetitiva; con las voces, las guitarras, los teclados y las baterías llevándose el protagonismo, coros pegajosos, ritmos y melodías simples, acompañamiento armónico limitado y letras que hablan principalmente sobre el amor en sus letras (enamoramiento, ruptura, desamor, infidelidad o conquista).
El pop implica la integración del crossover, música con una mezcla de géneros, para crear así un producto de alta rentabilidad y que el público objetivo no sea limitado por cuestiones de raza o género. Elevar la difusión del pop llevó a este género a encaminarse a ser mainstream, una música principalmente popular, convencional o de moda dominante y creada para un público de masas.
El fenómeno de la música pop en países como México implicó la transformación de la industria del entretenimiento nacional, con situaciones que van desde la integración y mezcla con la música regional hasta la fabricación de artistas juveniles, una de las principales tareas de las corporaciones. Pero también ha sido parte de la transformación reciente del país debido a que el paulatino dominio del pop en inglés también reflejó la entrada del país al contexto de globalización; un ejemplo del pop como soft power (mecanismo de influencia sútil, pero poderoso) anglosajón.
El pop ha sido explotado para mandar algún mensaje acerca de los diversos puntos de vista debatidos a lo largo de las décadas. Hoy se pueden observar canciones realizadas, bajo la vía libre o con sello discográfico, que reflexionan sobre la historia reciente o hacen referencia a temas contemporáneos de asuntos de género, sobre guerra, violencia, de índole regional y otros que han roto con tabúes de forma explícita o expresa.
La Música Indie/Alternativa
La música indie se refiere a la música independiente: artistas o grupos que han grabado sus discos autoeditados o con sellos independientes. Este término comenzó a usarse en la década de los 80 tras el boom punk y el nacimiento de grupos post punk británicos. La famosa frase «Do it yourself» se extendió entre el público joven que deseaba escapar de la cultura popular que marcaba las tendencias.
El indie pop es un derivado del pop cuyas melodías suelen ser más suaves, melódicas y menos ruidosas con respecto al indie rock y otros estilos relacionados. El indie pop es la música pop que se mueve fuera de los límites de la música pop convencional. Se le describe como inusual.
Este tipo de música no cuenta con rasgos que sean diferenciadores y que la conviertan en un estilo musical único y reconocible, sino que agrupa un gran número de géneros musicales que se alejan de la música comercial e industrial.
La música indie se enfrenta y complementa con el pop alternativo (alt pop, alternative pop o música pop alternativa), un derivado del pop que fusiona este con muchos estilos de pop emergentes desde la primera mitad de los años 2010 y con diversos estilos alternativos. El pop alternativo busca romper la estética genérica del pop mainstream. Generalmente, cuando se habla de alternativo, se hace referencia a diferente ( diferente a lo convencional o mainstream). Muchas de estas bandas y artistas, no tienen un solo estilo musical, las letras hablan de diversos temas, los videos musicales son extravagantes, la instrumentación es poco convencional e incluso algunas bandas de rock alternativo se han calificado en este estilo.
Una artista que encarna lo mejor que la música pop, indie y alternativa pueden ofrecer en su conjunto es Lana Del Rey. Cantante, compositora, modelo, actriz, escritora, productora y poetisa estadounidense, Del Rey se distingue por su música con cualidades cinematográficas, su estilo retro y su exploración del romance trágico, el glamour y la melancolía. Hace constantes referencias a la cultura pop contemporánea y a la época dorada de los años 50 y 60 del siglo pasado en Estados Unidos. Lana Del Rey ha sido una artista de gran trascendencia e impacto en la música en todo el mundo por varias razones clave:
Estilo: Su estilo estético tan particular que la han diferenciado de otros artistas de su época: la mezcla de lo retro con lo moderno, su perspectiva sensible y contemporánea del pasado glorioso del arte estadounidense, la romantización y desilusión por el sueño americano, relaciones amorosas apasionadas pero turbulentas. Todos esos han sido temas que Lana ha explorado en su obra y que han resonado profundamente con muchos oyentes, sean o no fanáticos de ella.
Letras: Las letras de Lana son conocidas por su calidad poética y narrativa. Sus canciones cuentan historias que exploran temas como el amor, la pérdida, la nostalgia y la decadencia. Su profundidad lírica ha atraído a un público que busca contenido sustancial en la música pop.
Voz: La voz melancólica de Lana Del Rey la distingue entre muchas de sus pares de la industria. Su voz es su principal sello distintivo. Conforme han pasado los años ha mejorado su técnica vocal, pero se mantiene fiel a su estilo susurrado, sensual y onírico que sirve para transmitir emociones profundas de forma suave y gentil de manera efectiva.
Versatilidad: Lana es una artista versátil y en constante evolución. Mantiene una identidad musical coherente y consistente, pero ha experimentado con diferentes estilos y sonidos que van desde el hip hop, el rock, el pop barroco y la música indie. Esta capacidad para reinventarse ha mantenido su música fresca y relevante en la escena músical del siglo XXI.
Autenticidad: La autenticidad de Lana y su capacidad para conectar emocionalmente con sus seguidores son aspectos fundamentales de su éxito, popularidad y reconocimiento. Sus oyentes sienten que su música refleja experiencias y sentimientos auténticos, lo que ha creado una conexión profunda y duradera entre ambas partes.
Presencia en redes: Del Rey ha sabido utilizar los medios de comunicación y las redes sociales para construir y mantener una base de fans leal. Su fuerte presencia en estas plataformas le ha permitido interactuar directamente con su audiencia y mantener su relevancia en el mundo digital. El arte visual con el que complementa su obra sonora ha encontrado un refugio y medio de propagación en plataformas como Tumblr desde finales de la primera década de los 2000 y se mantiene vigente en Pinterest, Instagram y TikTok.
¿Quién es Lana Del Rey?
Elizabeth Woolridge Grant, aka Lana Del Rey nació el 21 de junio de 1985, en Manhattan, Nueva York. Es hija de Robert England Grant, un inversor en dominios de internet, y de Patricia Ann Hill, una profesora. La cantante tiene dos hermanos menores, la fotógrafa Caroline Grant, y Charlie Hill-Grant. Creció en Lake Placid, en el estado de Nueva York, donde se unió al coro de la iglesia y fue su cantante principal. A los 15 años fue enviada al internado Kent School, en Connecticut, para luego de su graduación mudarse a Long Island con sus tíos, donde trabajaba como mesera. Fue con su tío que la cantante aprendió a tocar la guitarra, y comenzó a escribir canciones y a presentarse en clubes de la ciudad. Cuando cumplió 19 años entró a la Fordham University en el Bronx, donde estudiaba filosofía enfocada en la metafísica, y se graduó en 2008 con una licenciatura en artes y filosofía.
El nombre artístico Lana Del Rey, lo creó la cantante junto a sus amigos cubanos durante sus estadías en Miami. Está inspirado en la actriz Lana Turner y en el automóvil Ford del Rey. Lana, quien también habla un poco de español, se decidió por el nombre gracias a la hermosa fonética que encontró en su pronunciación. Sin embargo, incursionó en la música antes de ser Lana Del Rey. A la par de realizar sus estudios en la Universidad de Fordham, la cantante estrenó un demo de un álbum de estudio titulado Sirens, en donde utilizó el pseudónimo de May Jailer. Tras su graduación de la universidad, lanzó Kill Kill, un EP como Lizzy Grant, y para 2010, se estrenó como Lana Del Ray, en su álbum homónimo. Marcando su debut y posterior fama mundial con Born to Die (2012).
Su discografía resumida
Su primer álbum salió bajo el nombre de Lana del Ray en 2010, y contiene canciones como Yayo y Kill Kill. Este álbum fue primero lanzado por la cantante con la compañía disquera 5 Points Records, sacándolo luego del mercado y comprando los derechos de vuelta, ya que la disquera no tuvo la capacidad de financiarlo. Estas canciones fueron incluidas en la versión extendida de uno de sus álbumes.
Tras cambiar su nombre artístico a Lana Del Rey, y firmar un contrato con Interscope Records y Polydor Records, la cantante lanzó Born to Die (2012), considerado como el verdadero álbum debut de la cantante. El disco fue lanzado con los singles Video Games y Born to Die, seguido de las canciones Blue Jeans, Summertime Sadness, National Anthem y Dark Paradise. El tercer álbum de Lana Del Rey es Paradise (2012), una versión extendida de su primer álbum. En este nuevo lanzamiento destacó su single promocional, Ride, y canciones como Blue Velvet, Body Electric, Bel Air y Burning Desire.
Ultraviolence (2014) fue el cuarto lanzamiento de Lana Del Rey, una nueva producción que muestra sonidos inclinados a la composición con guitarra. Este disco fue lanzado con cinco singles, West Coast, Brooklyn Baby, Black Beauty, Shades of Cool y Ultraviolence. Para el momento del lanzamiento, la cantante había colaborado en la canción Once Upon a Dream (2014) para la película Maleficent. En septiembre de 2015 se lanzó Honeymoon (2015), el quinto álbum de Lana Del Rey, del que destacan canciones como High by the Beach y Music to Watch the Boys To.
El quinto álbum de Lana es Lust for Life (2017), un disco que incluye colaboraciones con ASAP Rocky en Summer Bummer, Stevie Nicks y otros artistas. Fue lanzado con el single promocional, Love, seguido por una canción en colaboración con The Weekend, Lust for Life. Norman Fucking Rockwell! (2019) es el sexto álbum de Lana, lanzado con una canción homónima, seguida de la presentación de los singles Mariners Apartment Complex y Venice Bitch. De este álbum destaca la canción Hope Is a Dangerous Thing for a Woman Like Me to Have – but I Have It.
Los últimos lanzamientos de Lana Del Rey han sido Violet Bent Backwards over the Grass (2020) un libro de poesía lanzado con un álbum narrado por la cantante, promocionado con el poema narrado, LA Who Am I to Love You. Su séptimo y octavo álbum de estudio en 2021, Chemtrails over the Country Club y Blue Banisters, y para marzo 2023 Did You Know That There’s a Tunnel Under Ocean Blvd.
El estilo de Lana Del Rey
En el inicio de su carrera, el estilo de Lana Del Rey estuvo inspirado en los aspectos de la Americana de los años 50 y 60 en Estados Unidos. En sus canciones, esta estrella habla de lo opulento y lo extravagante, de la nostalgia, los excesos y el dolor; características que son visibles en los conjuntos de Lana. Para ello emplea elementos que exploran la identidad del país, y que son representativos de su cultura.
Esta cantante ha impreso en su moda y en su música una nostalgia por el viejo Hollywood. Ello estuvo presente en sus atuendos del 2011, cuando solía hacer sus apariciones llevando abrigos de piel, vestidos dorados y peinados perfectos. El cabello ha sido un aliado de su personaje, usando su peinado al estilo bouffant para llevar a sus fanáticos de vuelta a los 60. Lana es una artista que converge lo mejor del glamour con las piezas básicas, creando un estilo que pareciera no requerir esfuerzo.
Reconocimiento
Lana Del Rey ha ganado 2 Brit Awards, 2 MTV Europe Music Awards, un Satellite Award por su canción Young and Beautiful (2013) y 9 GAFFA Awards. La cantante ha sido nominada 11 veces al premio Grammy, y fue nominada una vez al Golden Globe Award por su canción Big Eyes (2014), parte de la banda sonora oficial de la película de Tim Burton, Big Eyes (2014).
Born To Die
En 2011, Del Rey subió videos musicales hechos por ella misma para sus canciones Video Games y Blue Jeans a YouTube, con imágenes antiguas intercaladas con tomas de ella cantando en su cámara web. El video musical de Video Games se convirtió en una sensación viral en Internet, lo que llevó a Del Rey a firmar con Stranger Records para lanzar la canción como su sencillo debut. Pronto firmaría con Interscope Records y Polydor.
Así emergió Born to Die (2012), que demostró ser un éxito internacional y el sencillo del disco, Summertime Sadness, quedó entre los diez primeros en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos, así como los sencillos Blue Jeans, Born to Die y National Anthem. Del Rey luego lanzó el EP nominado al Grammy Paradise en 2012. Al año siguiente, la cantante compuso para el cine mientras escribía y protagonizaba su cortometraje musical Tropico; lanzando así «Young and Beautiful» como el sencillo principal para la película The Great Gatsby (2013). Paradise fue lanzado el 12 de noviembre de 2012 como un lanzamiento independiente, así como Born to Die: The Paradise Edition, que combinó el álbum anterior de Del Rey con las ocho pistas adicionales de Paradise. En junio de 2013, Del Rey filmó Tropico, un cortometraje musical emparejado con temas de Paradise, dirigido por Anthony Mandler.
Tras su lanzamiento debut, algunos críticos musicales describieron la música de Del Rey como sadcore de Hollywood. Se ha destacado repetidamente por su sonido cinematográfico y sus referencias a varios aspectos de la cultura pop. Del Rey cita una amplia gama de artistas musicales como influencias, incluidos numerosos artistas de pop, jazz y blues de mediados del siglo xx, como Andrew Lloyd Webber, Frank Sinatra, Nina Simone, Billie Holiday, Bobby Vinton, The Crystals, y Miles Davis. Las cantantes de Torch Julie London y Julee Cruise también han servido como influencias. De igual forma ha nombrando específicamente a Nirvana, Bob Dylan, Marilyn Monroe, Elvis Presley, Bruce Springsteen, Britney Spears, Lou Reed, The Eagles, Leonard Cohen, Cat Power, Eminem, Amy Winehouse y Joan Baez como referentes.
Born To Die: The Paradise Edition posee canciones con letras impregnadas de melancolía poética que reflejan la fascinación de Lana Del Rey por los aspectos oscuros y románticos de la vida. Canciones como Ride, Cola, Bel Air y Yayo abordan la libertad, el deseo, el amor, el autodescubrimiento, el anhelo y la fe. La atmósfera del álbum es una mezcla de lo etéreo y lo cinematográfico, con una fuerte influencia del cine noir y el glamour decadente de Hollywood. Las melodías a menudo son lentas y envolventes, con una producción que combina elementos orquestales y beats modernos. Esta fusión crea un ambiente que es al mismo tiempo nostálgico y contemporáneo, evocando una sensación de ensueño y melancolía.
Temas recurrentes del álbum incluyen la búsqueda del sueño americano y la disonancia entre la realidad y la idealización de este sueño. Canciones como American y Gods & Monsters exploran esta dualidad. Asimismo, canciones como Ride utilizan símbolos de la libertad y la rebeldía estadounidenses, como las motocicletas y los viajes por carretera, para explorar temas de identidad y escape. En general, todo el álbum funciona para abordar la vida suburbana y la decadencia que subyace bajo la superficie visible, comercial y romanizada por los medios de comunicación tradicionales.
Lana emite una crítica sutil de la superficialidad y el vacío de la vida moderna por medio de relatos autobiográficos que sirven como metáfora, pero que también son reales. En varias canciones habla sobre reunirse en el más allá con un amor perdido. Ese amor, en efecto, es un ex novio de Del Rey que falleció trágicamente. De igual manera se hace alusión al suicidio de una amiga cercana de la cantante, así como de los propios problemas de abuso de sustancias de Del Rey. Las pérdidas personales en la vida de Elizabeth Grant permiten a su persona, Lana Del Rey, materializar el ideal que América le prometió y que más bien ha mermado su vida de poco a poco.
En resumen, Born To Die: The Paradise Edition es una obra que combina una profunda exploración emocional con una rica imaginería cultural, que crea una experiencia auditiva introspectiva y evocadora de la cultura pop estadounidense.
Billboard acreditó a Born to Die como uno de los principales catalizadores del cambio del pop de mediados de la década de 2010 de la EDM (Electronic Dance Music) a una paleta más melancólica con inflexiones de hip-hop. La revista opinó que Del Rey es indispensable para la música popular de la década de 2010 y ha influido en artistas pop de tendencia alternativa como Halsey, Banks, Father John Misty, Sia, Miley Cyrus, Selena Gomez y Taylor Swift. En 2019, Billboard incluyó la canción de Del Rey Born to Die como una de las 100 canciones que definieron la década de 2010 y agregó que influyó en «un cambio sonoro que cambió por completo el panorama pop». The Washington Post incluyó a Del Rey como el único músico en su lista de «Década de influencia». Pitchfork la nombró una de las mejores compositoras vivas de Estados Unidos. The Guardian declaró que la propia «neblina femenina pura» de Del Rey era un «sello distintivo de las desafiantes estrellas pop femeninas del futuro».
Body Electric
Body Electric es una de las canciones incluidas en Born To Die: The Paradise Edition de Lana Del Rey. Es una obra musical rica en referencias culturales y literarias, con letras que exploran temas de amor, dolor, idolatría y la búsqueda de la trascendencia. El título de la canción hace referencia al poema "I Sing the Body Electric" de Walt Whitman, que celebra el cuerpo humano y su divinidad. El hecho de haber incluido y repetido el título del poema en el coro de la canción puede interpretarse como el deseo consciente de Lana de encontrar una conexión amorosa profunda y significativa, que vaya más allá de las experiencias terrenales y físicas.
Las letras hablan de una relación intensa y tumultuosa, con líneas como "Elvis is my daddy, Marilyn 's my mother," sugiriendo una fascinación con figuras icónicas y la idea de un amor trágico y estelar. Si Lana menciona a figuras como Elvis Presley y Marilyn Monroe es porque pretende utilizar estos íconos culturales para tejer una historia de glamour, tragedia y adoración. También contiene referencias a la Biblia y a figuras religiosas, como en la línea "Jesus is my bestest friend," lo que añade una capa de profundidad espiritual y existencial a la narrativa que recuerdan la formación católica que recibió Del Rey cuando era niña.
La atmósfera musical de Body Electric es a la vez etérea y dramática, con una producción que mezcla sonidos orquestales con beats contemporáneos. La voz de Lana Del Rey, con su tono melancólico y evocador, añade una capa adicional de intensidad emocional a la canción.
Esta canción no cuenta con un video musical oficial puesto que forma parte del cortometraje Tropico junto con otras canciones de Del Rey. Sin embargo, se utilizará su representación en dicha obra para su análisis. Únicamente analizaré la secuencia que corresponde a Body Electric.
Lana Del Rey - Body Electric (From "Tropico") Lana Del Rey - Tropico (Short Film) (Explicit)
Discurso
Body Electric de Lana Del Rey (2012)
Elvis is my daddy, Marilyn's my mother
Jesus is my bestest friend
We don't need nobody, 'cause we got each other
Or at least I pretend
We get down every Friday night
Dancin' and grindin' in the pale moonlight
Grand Ole Opry, we're feelin' alright
Mary prays the rosary for my broken mind
I said, "Don't worry 'bout it"
I sing the body electric, I sing the body electric, baby
I sing the body electric, I sing the body electric
Sing that body electric, sing that body electric
I'm on fire, I sing that body electric
Whitman is my daddy, Monaco's my mother
Diamonds are my bestest friend
Heaven is my baby, suicide's her father
Opulence is the end
We get down every Friday night
Dancin' and grindin' in the pale moonlight
Grand Ole Opry, we're feelin' alright
Mary prays the rosary for my broken mind
I said, "Don't worry 'bout it"
I sing the body electric
I sing the body electric, baby
I sing the body electric, I sing the body electric
Sing that body electric, sing that body electric
I'm on fire, I sing that body electric
My clothes still smell like you
And all the photographs say you're still young
I pretend I'm not hurt
And go about the world like I'm havin' fun
We get crazy every Friday night
Drop it like it's hot in the pale moonlight
Grand Ole Opry, feelin' alright
Mary swayin' softly, to her heart's delight
I sing the body electric
I sing the body electric, baby
I sing the body electric, I sing the body electric
Sing that body electric, sing that body electric
I'm on fire, I sing that body electric
I sing the body electric, baby, I sing the body electric, baby
I sing the body electric, baby
Body Electric en Tropico
En el cortometraje dirigido por Anthony Mandler, aparecen Lana Del Rey y el modelo afroamericano albino Shaun Ross interpretando a Adán y Eva en el Jardín del Edén, interactuando con actores que representan a Jesucristo, Elvis, John Wayne y Marylin Monroe. Estos personajes parecen conocerse en el filme corto, aunque no interactúan mucho entre ellos; pero aparecen como iguales. Monroe, Presley y Wayne son tan relevantes y semejantes que Jesucristo. Ello quizá tenga que ver con cómo las personas elevan a las celebridades y las colocan en un pedestal como si fueran deidades. Puede ser que para Lana Del Rey, estas figuras sean, en la misma magnitud cada uno, sus referentes y modelos a seguir. El Edén mostrado no es, entonces, el lugar donde Dios dio origen a la humanidad, ni el primer paraíso bíblico prometido y arrebatado al ser humano; sino que estamos en la fantasía y el refugio más personal de Lana, quien ha encontrado fuerza, protección y consuelo en los personajes retratados y en la relación idealizada con un hombre al que, en su propia mente, hizo caer en tentación después de primero haber pecado ella. Tiene sentido si consideramos los acontecimientos tan hostiles que enfrentó Del Rey en su vida adolescente.
El material después corta a una serie de secuencias en las que la pareja habita la Tierra, tras su caída del paraíso, y comparten su vida en Los Ángeles. Cuando Lana, como Eva, muerde la manzana, todo se vuelve azul, oscuro y cercano al mundo real, pero sombrío. Ella se convierte en una Eva mundana que trabaja en un club como bailarina de pole dance. Lo mismo le ocurre a él, pero lo vemos trabajando en una tienda de abarrotes y compartiendo escenas cotidianas con Eva. Cabe destacar que Del Rey también aparece interpretando a la Virgen María, la madre de Jesús.
Mientras tanto, Lana Del Rey recita fragmentos del poema “I sing my body electric” de Walt Whitman, mientras la vemos bailando para los hombres que concurren el club, posiblemente un prostíbulo, repleto de bailarinas. El poema del que se inspira Body Electric habla de la belleza. No de la idea de la belleza, sino de la belleza del ser humano y de la mujer. Toca temas relacionados con la sensualidad femenina, la inocencia y aprecia el movimiento estético del cuerpo humano. Habla de cómo todo eso es parte de su alma, y de que los hombres (en este caso, del club o del mundo terrenal) lo banalizan hasta reducirlo a los dos pilares por los que se rige el mundo: el sexo y el dinero.
Análisis
Las teorías lingüísticas de la entonación se pueden emplear para analizar la interpretación y el significado detrás de la canción mediante el estudio de cómo la variación en el tono de voz contribuye a la expresión emocional, la estructura de la información y las funciones pragmáticas del discurso en el tema musical.
Contornos Melódicos
La variación que hace Del Rey de los tonos a lo largo de las frases revela la entonación que utiliza a propósito para resaltar ciertas palabras, frases y nombres. Los cambios de tono son utilizados para dibujar la atmósfera dramática y melancólica de la canción.
El coro “I sing the body electric” resulta ser la parte más intensa en toda la canción durante todas las partes en las que se repite. Pilar Prieto dijo que las variaciones melódicas se utilizan para manifestar una serie de sentidos pragmáticos que afectan generalmente a todo un enunciado. En una canción es sencillo de ver puesto que el coro se repite más de una vez y la emoción, antes que disminuir, aumenta en intensidad interpretativa y confirma que los patrones melódicos son modelos definidos que se usan para expresar las intenciones comunicativas del hablante (en este caso, de la cantante). Es así como Lana Del Rey quiere que su audiencia se quede con una imagen mental contundente que refleje lo mucho que ella aprecia vivir la vida al máximo, sentir a flor de piel todas las emociones que pueda experimentar desde el amor, el deseo y el placer de la vida terrenal (sea a partir de la música, los lujos, las posesiones material o las relaciones íntimas con la persona que ama) y que incluso a pesar de las adversidades, ella se sumergirá en la filosofía de vida que ha conocido a partir de los íconos con los que ha crecido y conformado su personalidad.
Los versos de la canción introducen los nombres de los personajes a los que Lana admira y compara con familiares, parientes y amigos cercanos. Pilar Prieto dice que mediante la entonación, un hablante manifiesta su actitud subjetiva respecto del contenido que transmite en un mensaje a través del modus. Los oyentes, al escuchar una canción o al recibir un mensaje, no siempre se fijan primero en las cosas que se cantan o se dicen, sino que se quedan con la forma en la que se transmitieron. Es decir, la gente recordará que Lana comenzó los versos de Body Electric más arriba para resaltar los nombres que menciona y bajó la entonación para describir lo que significan para ella. Eso puede decir que le interesa que la gente reconozca antes a las personas a las que hace alusión para después comprender el impacto que han tenido en ella.
Los contornos melódicos en la canción sirven no sólo para expresar emociones o focalizar mensajes importantes. De hecho, es más evidente la función demarcativa, ya que la entonación es una función indicativa de cómo se divide y estructura la canción según el esquema organizacional dado por los compositores, Elizabeth Grant (Lana) y Richard W. Nowels. El emisor divide siempre el discurso en unidades tonales para que el oyente pueda segmentarlo e interpretarlo con mayor facilidad. Recordemos que Body Electric sigue siendo una canción con influencias pop, por lo que una de sus características principales será ser pegadiza y quedar presente en la memoria de quienes la escuchan. Así es como Lana ha segmentado la canción para que su audiencia identifique el coro rápidamente, mucho antes que los versos, y los memorice con facilidad.
Pausas y Ritmo
La colocación de pausas y ritmo en la interpretación vocal de Body Electric indican cómo Lana quiso estructurar la información y qué partes de las letras considera más importantes para la narrativa emocional. Es así como las pausas sirven para construir un escenario dramático y prolongar el tiempo de reacción del oyente cuando Lana realiza declaraciones severas sobre la realidad trágica que vive detrás de la atmósfera onírica de vivir una vida repleta de sensaciones intensas y momentos agradables. Deja entrever la tristeza con la que vive después de la pausa en “Or at least I pretend”, denota que se siente fuera de lugar e incomprendida cuando canta “Mary prays the rosary for my broken mind” y externa que ha planteado la idea de morir como último esfuerzo para encontrar la paz, sentirse realizada, encontrarse con sus ídolos y reunirse con su verdadero amor en “Heaven is my baby, suicide's her father, opulence is the end”. En esta última parte también hace una crítica fuerte con respecto al destino final de sus ídolos más cercanos por ser referentes de la cultura estadounidense con la que se crió: Marilyn, Elvis y John Wayne. Los tres fallecieron en la cúspide de sus carreras, después de haber alcanzado fama, reconocimiento y fortuna.
Lana transmite que cree que después de haber logrado sus metas materialistas, hallará comodidad y consuelo en el cielo, con el ídolo que le queda pendiente por rendir tributo, Jesucristo.
Por otro lado, al cantar los pre-coros y estribillos de la canción, el ritmo aumenta su velocidad y envuelve a la audiencia bajo la idea de que Lana se ha olvidado de los pensamientos tan tristes que esconde en su consciencia para permitirse disfrutar de la vida el tiempo que le corresponda y que ella considere apropiado.
Para aplicar la teoría de la comunicación no verbal elaborada por Flora Davis al analizar la interpretación de Lana Del Rey de Body Electric en el cortometraje Tropico se pueden considerar aspectos clave de la comunicación no verbal, tales como los gestos, las expresiones faciales, el lenguaje corporal, el uso del espacio, las miradas, la postura y la danza de las manos. Cada uno de estos elementos contribuye a transmitir mensajes que van más allá de explicarse con palabras y que se complementan con la atmósfera auditiva y visual del filme musical.
Expresiones Faciales y Movimientos Corporales
Cuando Lana Del Rey encarna a la Virgen María, se da a entender que reza una plegaría a Dios y a la divinidad (ella repite el nombre de John, probablemente por John Wayne) para pedir perdón por sus pecados. Cuando Lana baja la mirada, indica que se encuentra arrepentida y avergonzada por sus faltas cometidas, por lo que se muestra vulnerable y pasiva ante la consolación y voluntad que anhela recibir de Dios (o John).
La cámara enfoca a Lana desde un ángulo frontal sin inclinación hacia arriba ni hacia abajo, lo que transmite la idea de proximidad al personaje que encarna, ya sea mientras actúa como Virgen, como Eva o como bailarina. Por el contrario, muchas veces la cámara señala a Marilyn Monroe, Elvis Presley, John Wayne y Jesucristo desde abajo para crear la sensación de que sus figuras están por encima del observador, lo que denota superioridad, autoridad y mayor importancia.
John Wayne tiene expresiones faciales severas, duras, serias, que imponen distancia y que lo retratan como un hombre fuerte con el que no se debe bromear ni tomar a la ligera (incluso se le representa armado con un rifle). Cuando la primera pareja humana cae después de pecar, John parece apuntar con su arma hacia el cielo. El sonido del trueno que sigue después de su momento en pantalla sugiere que el rayo y el estruendo fueron provocados por haber disparado su arma. Al caer Eva, John Wayne mueve la cabeza de un lado a otro (indicando desaprobación) frente al pecado.
A Jesucristo se le ve constantemente mirando hacia arriba, con expresiones faciales que retratan añoranza, esperanza, tristeza, súplica y lamento. También apunta con sus manos al cielo. Con esta información podemos intuir que Jesucristo, en el video, mantiene un diálogo constante con Dios y le comunica por medio de oraciones lo que ocurre mientras observa como Eva es tentada por la serpiente y muerde la manzana. Se muestra consternado al observar a la primera mujer pecar y caer en tentación.
Elvis Presley se encuentra posando, ejecutando gestos coquetos y masculinos. Aparece cantando fragmentos de sus canciones que se cruzan con los sonidos que emiten los demás personajes a su alrededor. No por ello se muestra molesto o confundido. Cada figura de las que se hayan presentes mantiene su personaje perfectamente, sin verse afectada por la compañía de los otros. Elvis expresa con sentimiento las letras que interpreta durante su aparición. Su dinámica cambia radicalmente cuando Eva muerde el fruto del árbol. Emite un gesto serio que indica alerta e intenciones de defensa personal frente a un ataque inesperado. Después dice una frase acompañada de una mirada triste que advierte su desaprobación y decepción frente al pecado.
Marilyn Monroe hace movimientos con sus labios, cejas, mejillas y ojos que indican posibles indicios de flirteo con la audiencia, aunque no dirige su mirada hacia la cámara. Sigue su papel de mujer seductora mientras conserva un aura angelical y juvenil. Juega con su vestido, alza la cara, se inclina hacia enfrente, hace énfasis en su escote, levanta los brazos para cantar y los baja para pasar las manos por su cuerpo y acariciar su rostro. La reacción más importante de este personaje durante su aparición es su grito de terror cuando es testigo de la caída de Eva (el haber mordido el fruto prohibido del árbol del conocimiento). Ese momento es acompañado del sonido de un trueno, junto con el flash característico de un rayo celeste.
Adán y Eva, los protagonistas del cortometraje, comienzan su aparición de espaldas. Ello da la sensación de estar viendo lo mismo que ellos bajo una perspectiva similar. Cuando estos personajes se encuentran con los ídolos, los ven fascinados, con sonrisas y gestos que pueden denotar fascinación, asombro y admiración, así como curiosidad y gozo. Cuando estos personajes interactúan entre ellos, intercambian miradas y gestos reflexivos que indican contemplación de uno por el otro, lo cual refleja su cercanía emocional y relación sentimental. También realizan una serie de movimientos circulares con sus caderas que pueden implicar una especie de danza del cortejo romántico. Se encuentran frente a frente, empalman sus manos, se acarician y se ven con deseo. Eva y Marilyn juegan de forma similar con sus manos y brazos. Adán toma a Eva por sus caderas. Eva mueve las manos y los brazos de una manera que tradicionalmente se asocia con la sensualidad. En algún punto se acuestan en el piso y bailan de una manera que sugiere que están teniendo una relación sexual. Marilyn, quien apareció en el video por primera vez comentando que el sexo forma parte de la naturaleza, es enfocada por la cámara cuando hace un gesto de emoción, alegría y juvilo frente al encuentro romántico de la primera pareja de humanos.
Eva sonríe cuando invita a Adán a probar la manzana, pero se desvanece y yace inconsciente después de hacerlo. Lo mismo ocurre con Adán al seguir el ejemplo de la mujer.
Cuando Adán y Eva aparecen en un mundo parecido al que conocemos, realizan diferentes tareas. Eva baila concentrada y sumergida en su papel de bailarina del club, pero cuando convive con Adán, emite gestos y miradas que sugieren el amor, el cariño, la comprensión e interés que siente por él. Mientras tanto, Adán experimenta distintas emociones, como preocupación y seriedad, pero nunca se le ve sonreír. Está acompañando a Eva, pero su actitud lo hace parecer distante a ella.
Los animales (el unicornio, los borregos, los conejos, etc.) son retratados en un estado de paz y comodidad. No desconfían de la presencia de humanos en el área ni se inmutan por sus movimientos. Los borregos olfatean los cuerpos caídos de Adán y Eva después de haber mordido la manzana.
La serpiente mantiene contacto visual con Lana cuando ésta encarna a Eva. Incluso llega a sisear cuando ella la toma con sus manos, la acerca a su cara y la desliza por sus brazos y cuerpo.
Uso del Espacio
La proximidad entre las celebridades, íconos y referentes sugiere que poseen el mismo nivel de importancia entre ellos y que no existe una jerarquía que los separe ni distinga. Sin embargo, permanecen distantes de Adán y Eva. Reaccionan frente a sus actos, pero no se entrometen ni interactúan con ellos directamente.
Adán y Eva aparecen constantemente cercanos uno con el otro.
La serpiente se mueve con confianza entre las manos y los brazos de Eva, quien sujeta al animal con delicadeza y seguridad mientras efectúa un baile provocativo.
Las imágenes del jardín y las proyecciones del cielo sugieren que el espacio donde se encuentran los personajes se prolonga más allá de las dimensiones que pueda percibir el espectador del cortometraje, lo que encamina a imaginar un paraíso grande, extenso e infinito.
Cuando Adán y Eva se encuentran con los ídolos por primera vez, los ven mucho más altos que ellos. Parece que todos están en el mismo sitio, puesto que los primeros observan a los segundos desde un arbusto. Sin embargo, cuando finalmente se abren paso por el jardín, los ídolos desaparecen y ceden el lugar a la pareja y a los animales.
La Virgen María aparece representada en el jardín, pero nunca en el mismo sitio que Adán y Eva o los ídolos. Tiempo después se haya en una habitación reducida con paredes de espejo que reflejan su imagen danzante al ritmo de la música.
Cuando Adán y Eva se adentran al jardín, los ídolos desaparecen del lugar, pero ocasionalmente sus imágenes se entrecruzan con las de la pareja. Eso genera el efecto de sentir que todos los personajes están presentes en el mismo lugar (a excepción de la Virgen), sólo que los ídolos no son visibles ni para el primer hombre ni la primera mujer.
Contacto Ocular
Un recurso clave en el vídeo es el contacto ocular que mantiene la pareja protagónica, así como su interacción distante con la cámara. Las miradas hacia el horizonte o fuera de la cámara sugieren introspección y contemplación, lo cual resulta congruente con el tono melancólico de la canción.
El contacto visual entre Adán y Eva indica cercanía sentimental, amor y deseo.
Ahora, la obra presentada en Tropico y la canción Body Electric pueden ser analizados desde una perspectiva feminista, pero la interpretación de su feminismo puede variar según el enfoque y el contexto cultural. Conviene aclarar que a principios de la década de 2010, Lana Del Rey no se denominaba feminista. De hecho, se enfrentó a múltiples críticas que la acusaban de alimentar la llamada mirada masculina y de romantizar el sufrimiento de las mujeres. Ella se defendió argumentando que nunca ha planteado su obra para satisfacer los o fantasías de los hombres que conforman o no su audiencia. Atendió los señalamientos y explicó que siempre ha buscado retratar de la manera más auténtica y artística posible su propia perspectiva sobre la vida, las relaciones humanas y compartir sus experiencias personales.
Con el pasar de los años emitió distintas declaraciones que denotan que se informó y preparó más en teoría feminista. Debido al peso mediático de los comentarios de sus detractores en la prensa, en el medio y en la audiencia, Lana ha abordado sus asuntos más polémicos en sus discos más recientes (Blue Banisters y Did You Know There’s a Tunnel Under Ocean Blvd) y en sus redes sociales. Lamentablemente, no siempre ha obtenido los mejores resultados al hacerlo. Ha ocurrido que, contrario a apaciguar la opinión pública, ha encendido más la llama del enojo e incomprensión de las masas. La violencia en las redes la han orillado a privatizar sus redes o suspenderlas temporalmente. Actualmente mantiene su página de Instagram activa, pero eliminó su cuenta de Twitter (X) y no está activa en Facebook ni TikTok. Sigue subiendo contenido a Youtube y plataformas digitales de streaming.
Autonomía: En Tropico, Del Rey se presenta como una figura central y activa, lo que se interpreta como una forma de autonomía y control sobre su narrativa artística. Sin embargo, su representación a menudo está envuelta en imágenes de glamour y nostalgia que pueden ser vistas tanto como una afirmación de su identidad femenina como una perpetuación de estereotipos tradicionales, sobre todo cuando se asemeja a Marilyn Monroe o la Virgen María.
Letras de "Body Electric": Las letras de la canción incluyen referencias a Marilyn Monroe, lo que puede ser interpretado como una reivindicación de este ícono cultural y sus complejidades. No obstante, la glorificación de esta figura también puede ser vista como una reproducción de la objetificación y el fetichismo hacia lo que representaba en su momento para la cultura americana: un sex symbol.
Iconos Pop: Las referencias a Marilyn Monroe y Elvis Presley en "Body Electric" evocan una era de la cultura pop americana que estaba marcada por normas de género tradicionales. La inclusión de estas figuras puede ser una crítica a estas normas o una celebración de una época que es compleja desde una perspectiva feminista. Personalmente considero que Lana Del Rey recurre a estas figuras porque han sido personajes influyentes en su forma de conocer, explorar y percibir la realidad. No creo que al equiparar a Marilyn y Elvis con Jesucristo los glorifique ni ensalce más de la cuenta. Creo que sirve como recurso artístico para cuestionar lo que representan, así como se ha hecho con la religión y la existencia de Jesús de Nazaret.
Simbolismo Religioso: La canción y el cortometraje también incluyen referencias religiosas asociadas con la pureza y la devoción femenina. Esto puede interpretarse como una exploración de la dualidad entre la santidad y la sexualidad en la identidad de las mujeres. Al mismo tiempo, es una crítica elaborada a partir de comparar y contrastar los ideales puestos históricamente sobre las mujeres al paso de los siglos frente a la existencia y memoria del legado tan opuesto sembrado por la glorificación de figuras femeninas sexualmente incitadoras como Marilyn Monroe.
Amor Romántico y Patriarcado: Lana Del Rey a menudo explora temas de dolor y amor trágico, presentes en Body Electric y Tropico. Estos temas pueden ser vistos como una forma de dar voz a experiencias femeninas universales, pero también pueden ser criticados por perpetuar el estereotipo de la mujer como víctima del amor romántico, construcción creada por el patriarcado que establece y constituye una estructura de opresión contra las mujeres y perpetúa relaciones afectivas tóxicas.
Empoderamiento vs. Vulnerabilidad: La mezcla de empoderamiento y vulnerabilidad en su música y en el cortometraje puede ser interpretada como una representación realista de la complejidad de la experiencia femenina. Lana Del Rey no necesariamente es una referente del feminismo, pero sí ofrece una exploración profunda de la identidad y las emociones femeninas.
Estilización Retro: La estética retro de Lana puede ser vista como una forma de recuperar y reinterpretar la moda y los estilos del pasado. Sin embargo, esta misma estética puede ser percibida como una idealización de épocas que no siempre fueron igualitarias para las mujeres.
Visualización del Cuerpo Femenino: En Tropico, el cuerpo femenino es central y a menudo sexualizado. Mientras que algunos pueden ver esto como una forma de celebrar la belleza y la sensualidad femenina, otros pueden criticarlo como una forma de objetificación.
La interpretación del feminismo y la perspectiva de género en estos trabajos de Lana Del Rey depende del enfoque crítico y del contexto cultural del espectador. Su obra invita a un análisis profundo y multifacético, lo que en sí mismo puede ser visto como una contribución valiosa al diálogo sobre la identidad y la experiencia femenina.
Por último, la teoría sobre el discurso como medio de interacción social escrita y desarrollada por Teun A. van Dijk puede aplicarse a la representación e interpretación de "Body Electric" de Lana Del Rey en el cortometraje Tropico a través de varios niveles de análisis del discurso. Recordemos que Van Dijk propone que el discurso no es solo una estructura lingüística, sino también un fenómeno social y cognitivo que implica la interacción entre el texto, el contexto y los participantes.
Contexto Cultural: Body Electric y Tropico están inmersos en una rica variedad de referencias culturales, históricas y religiosas. Van Dijk enfatiza la importancia del contexto en la interpretación del discurso. Aquí, la comprensión de referencias a figuras como Elvis Presley, John Wayne y Marilyn Monroe, así como la iconografía religiosa representada por la Virgen María y Jesucristo, es esencial para entender los distintos mensajes presentes en la obra y su resonancia cultural en distintas audiencias.
Contexto Situacional: El cortometraje presenta un escenario visual y narrativo que influye en cómo se interpreta la canción. Las imágenes, la ambientación y la narrativa visual proporcionan un contexto que enmarca la interpretación del discurso musical. Con respecto a la escenificación de Body Electric, la historia se sitúa en el Jardín del Edén, un paraíso prometido y otorgado para la humanidad durante su vida en la tierra mientras no sobrepasara y quebrara las normas que Dios puso en el lugar. Cuando Adán y Eva comen del fruto prohibido, son trasladados a nuestra realidad, un mundo terrenal al que le interesa satisfacer nuestras necesidades físicas y emocionales con inmediatez y facilidad.
Macroestructura: A nivel macro, la narrativa de Tropico puede ser vista como una historia sobre la redención y la búsqueda de significado, que se alinea con los temas de la canción Body Electric. La macroestructura del discurso incluye la narrativa general del cortometraje y cómo la canción se integra en esa narrativa.
Microestructura: A nivel micro, el análisis se centra en las palabras, frases y oraciones específicas en Body Electric. El uso de metáforas, figuras retóricas y la elección de palabras son elementos clave que conforman la microestructura del discurso. Por ejemplo, analizar cómo las palabras "Elvis is my daddy" y "Marilyn 's my mother" construyen un significado simbólico que sugiere como Lana nació como artista y persona a partir de la influencia de dichos iconos del pop americano.
Asimismo, “Diamonds are my bestest friend” es una referencia directa que apunta a la canción homónima interpretada por Monroe en “Los caballeros las prefieren rubias” (1953).
Otra mención interesante la encontramos en “Grand Ole Opry, we're feelin' alright”. El Grand Ole Opry es un concierto semanal de música country en Nashville, Tennessee. Del Grand Ole Opry han nacido estrellas de la música country como Billy Ray Cyrus, padre de Miley Cyrus.
Elvis Presley, a quien Lana menciona anteriormente en la canción, vivió en Nashville, Tennessee, desde los 13 años y actuó una vez en el Grand Ole Opry en 1954. Es quizá que por ello Lana haya referenciado el lugar, porque desea transmitir que busca seguir los pasos de sus ídolos para construir una carrera artística igual de firme, sólida y legendaria que la de Elvis.
Modelos Mentales: Van Dijk sugiere que los individuos construyen modelos mentales del discurso basados en su conocimiento previo y contexto. Los espectadores de Tropico utilizan sus conocimientos sobre las referencias culturales (como Elvis y Marilyn) y su comprensión de los temas de la canción para construir un modelo mental que da sentido a la narrativa.
Esquemas Cognitivos: Los esquemas cognitivos o marcos son estructuras mentales que ayudan a los individuos a organizar e interpretar la información. En este caso, los esquemas sobre la cultura pop, la religión y las relaciones personales influencian cómo se interpreta Body Electric. Como cualquier obra de arte, no tiene una interpretación correcta o equivocada. Sólo sirve como motor para impulsar la experiencia de estímulo estético para el espectador y como medio de expresión para el artista.
Relaciones de Poder: Van Dijk también analiza cómo el discurso puede reflejar y reproducir relaciones de poder. En Tropico, la representación de figuras icónicas y la relación de la protagonista con estos íconos pueden ser interpretadas en términos de poder e idolatría. La forma en que Del Rey se coloca en relación con estas figuras puede reflejar su propia posición en la cultura popular.
Ideología: El discurso de Body Electric puede ser visto como un vehículo para transmitir ideologías. Las referencias a figuras históricas y religiosas pueden ser interpretadas como una forma de cuestionar o reafirmar ciertas creencias y valores culturales.
Conclusiones
Analizar un discurso es una herramienta poderosa para comprender mejor la comunicación y sus múltiples facetas. Nos permite desentrañar significados, intenciones y contextos, así como evaluar el impacto y las implicaciones de lo que se dice. Además, fomenta el pensamiento crítico y mejora nuestras habilidades comunicativas, lo cual es esencial en un mundo donde la información y la persuasión juegan roles cruciales en la vida diaria. Tropico y Body Electric de Lana Del Rey son obras relevantes culturalmente porque exploran y reinterpreta la mitología americana, abordan temas profundos de redención y espiritualidad, ofrecen una estética visual única, y presenta una reflexión compleja sobre la identidad y el género. Su impacto en la cultura pop y su influencia en otros artistas subrayan su importancia como una obra significativa y multifacética en el panorama contemporáneo
